爵士樂論文(爵士樂論文參考文獻)

大家好，今天我將為大家介紹一下關于爵士樂論文的問題。為了更好地理解這個問題，我對相關資料進行了歸納整理，現在讓我們一起來看看吧。

文章目錄列表:

傳統與音樂結合跨越國界值得肯定的作文素材

音樂是人們澄靜的心聲，是自然空靈的天籟。

世間有那么多的樂曲，但恐怕只中國古典民族音樂能將其中的真諦盡數彰顯出來。

何嘗不是如此！那宮廷音樂，少了清新，多了奢華；爵士樂，少了柔美，多了繁雜；流行音樂，更是少了超然，多了浮躁。

而中國古典音樂，至高，至圣，至純，至美。絕不張揚，卻聲聲柔亮，潛入人心。絕不神秘，卻層層深入，別有洞天。它不求太多，只愿將中國古典傳播流轉，正因如此，無論黃土高坡，還是江南水鄉，都有了它的存在。

靜坐竹亭，彈奏古琴，想必古人便是在這種情境之下彈奏出那一曲曲的清音雅韻。

愛古曲，愛高山流水之通靈，漁舟唱晚之閑適，二泉映月之綿長，陽春白雪之圣潔。

賞民樂，賞梁祝之哀婉，關山月之豪放，姑蘇行之明快，雁落平沙之悠揚。

而這些都是由中華五千年來的文化積淀所傳承孕育的。漁歌唱和，流水清音，親友別離，追憶斯人，人與自然相呼應，自然與文化相融合，中華民族幾千年來的文化底蘊都融入了古典音樂，傳遞所思，所感，所想。洗禮著人們的心靈，訴說著別樣的文化……“中和”之美是一種以“和諧”為本質特征的審美類型，其主要特點表現為意蘊含蓄、典雅，情感力度適中，文與質、情與理等各種因素和諧統一。

中華民族是以儒釋道互補為傳統文化基礎的，受先秦“尚中”“尚和”和孔子“中庸”思想的影響，“中和”不僅是中國傳統文化思想的根本精神，也是中同傳統文化的豐要思維模式，從詩詞文章、書法繪畫、園林建筑到音樂戲曲等等，都受到“中和”精神的深刻影響，并都放射著“中和”精神的光芒。

統觀我們高中音樂鑒賞的教材，凡人編的中同傳統音樂，從古琴曲到古琴文化，從甫代歌曲到唐詩宋詞，從民歌到民間器樂曲，隨處都能找到“中和”之美清晰的影子。

大學音樂鑒賞論文

音樂是生活不可缺少的一部分，學會欣賞音樂便走出了欣賞美的關鍵一部分。因此學習欣賞音樂是一門很重的課程！在這門課程的學習中學到很多東西。

一． 對中國古典音樂的認識

在這課程的學習過程中在一定程度上了解了中國的古典音樂，體味到了中國古典音樂的美。笛聲的清脆，簫聲的深沉，琵琶的錚錚之音，這些我們都從中感受到了華夏之音的美妙，體味到古典的魅力所在。中國的古典音樂是以五音--宮商角徵羽為基礎的，中國古代的音樂大家創作了中國獨特的音樂形式

如今在民間十分流行的是嗩吶這種樂器，無論民間的喜事還是喪事嗩吶都是一種不可或缺的樂器之一。嗩吶作為我國傳統的樂器我國的音樂大家創作了優秀曲子如《百鳥朝鳳》堪稱經典。

在這門課的學習中感受最多的就是對我國傳統文化的了解，增強了民族的自豪感與自信心，有提升了對祖國的愛。

二． 對西方音樂的認識

《命運交響曲》堪稱經典，歷史上表現命運的音樂很多唯獨只有貝多芬用選取了敲門聲來表現命運，一聲聲短促而有力的敲門聲顯示出生命力的旺盛和與命運抗爭到底的決心。“命運”這一主題在貝多芬的演繹下有了另一種境地，成為了歷史上無人挑戰的經典。同時在這門課的學習中還有欣賞了幽默曲、圓舞曲等，其中印象深刻的是對幽默曲的欣賞，不但一定程度上了解了這個時代的音樂更是在這些藝術家的身上學到了追求理想的不放棄精神和為實現目標不斷奮斗的高尚品格。

三，傳統音樂與現代音樂

中國是有著悠久歷史的國度，其音樂的發展歷史更是一部豐滿的史詩。在當今的樂壇最受年輕人歡迎的是Rap音樂，其中周杰倫便是一位現代音樂的代表人，但是即使在人們看來如此現代的音樂人，在他的音樂里我們依舊可以看到傳統的音樂元素，如在《菊花臺》，這首曲子的結尾用的便是我國云南的傳統樂器葫蘆絲。再如當今的年輕人所喜歡的歌曲《蘇三說》與《One Night in Beijing》更是大膽的吸取了我國傳統藝術京劇中的音樂元素，受到人們的歡迎。

回歸傳統是一種趨勢，我國是有著深厚文化底蘊。立足于傳統并且與現代的音樂元素相結合進行創新這是一種必然。有我國“西部歌王”之稱的王洛賓先生是將傳統音樂用現代音樂元素演繹的典范，他創作的歌曲膾炙人口，在廣大人民群眾中傳唱。

四． 音樂對人的影響

音樂由人創作自然表達的是人的情感，音樂的欣賞著便是要在欣賞音樂的過程中體味創作者的情感，從而達到人與音樂的共鳴。《義勇軍進行曲》，中國人民內心的堅決，頑強的意志，作曲人滿懷的崇高，神圣，莊嚴都融進那雄壯的旋律之中，無論何時何地聽到都熱血沸騰，充滿希望，讓聽者驀地升起對崇高的一團敬畏與仰望。又如在欣賞陳鋼、何占豪創作的小提琴協奏曲《梁祝》中，我們可以深刻的感受到梁祝二人真摯的情感，音樂主要以“草橋結拜”、“英臺抗婚 ”、“化蝶”為情節展開，大提琴與小提琴交相互應的音樂形式讓人印象深刻，欣賞者可以從中清楚的體味主人公的情感。

伴隨著社會的發展與進步，音樂在人們的日常生活中扮演著越來越重要的角色，成為生活的調和劑。在日常生活中我們可以深刻的感受到音樂的意義所在。在情緒低落時適合聽激情澎湃的音樂如交響曲與進行曲，在心情煩躁的時輕音樂是不錯的選擇能讓人平靜下來，認真的思索。

五.音樂與素質教育

音樂的最大功能是從精神上讓我們超越有限的生命的圍墻，把視野投向另一個關于美的音樂世界。她最奇妙的力量在于讓我們日益漂泊的靈魂有回家的感覺，擴充我們生命的寬度和深度，尋找到生命的精神支柱，找到靈魂的歸屬。

近年來，我國大學一直在提倡素質教育，其實是在追求自然科學教育和人文藝術教育的平衡。素質教育建立在和諧教育對素質的全面理解上。因此，素質教育本質上應該是面向全體學生的教育。在這個充滿競爭的世界，在這個信息化的時代里，每個人都應該從各方面全面的提升自己，而通過各種科學有效的途徑，成為“有理想、有道德、有文化、有紀律”，德、智、體、美等全面發展的社會主義事業建設者和接班人。

西方音樂史題庫選擇題

1. 西方音樂史小知識點

西方音樂史小知識點 1.我想學習一些簡單的西方古典音樂中的樂理知識,比如音調音色等b?

說起古典音樂，我上了大學之后，毫不猶豫地報了西方音樂欣賞的選修課，沒想到到了研究生又報了一次。

開始只知道貝多芬，莫扎特，柴可夫斯基三個人，后來通過選修課的學習，了解到了斯特勞斯，肖邦，維瓦爾蒂，布里頓，德沃夏克等偉大的音樂家。 我覺得古典音樂的欣賞不僅僅是對音樂本身的欣賞，更是對音樂所表達的內涵的鑒賞和探索，通過古典音樂的風格和特點可以了解到音樂家的內心世界和個人性格。

因此，沒有深厚內涵的音樂家是不可能寫的出偉大的作品的，最多只能成為優秀。我想這也是音樂家要的達到的目的吧，要把他對人生，對社會，對藝術的理解通過音樂的表現形式表達給聽眾。

當他們作曲是為了自己而不是為了迎合貴族和聽眾的時候，偉大的作品才會誕生，盡管可能在當時無人問津。正因為如此，我在聽古典音樂的過程中，一定要先看這個曲目的背景和來歷。

否則只是欣賞其旋律的話，可能會無所收獲。 《莫扎特傳》是令我感觸最深的，不愧為奧斯卡的獲獎影片。

這部**重點突出了莫扎特的天才和薩里埃里的嫉妒（**為了個性鮮明和矛盾的突出，丑化了薩里埃里）。莫扎特極具音樂天賦，當薩里埃里看見他的手稿的時候，薩里埃里驚呆了，莫扎特竟然沒有一處修改，而每一處也無法修改，因為太完美了。

薩里埃里認為莫扎特不是在創作音樂，他所要做的僅僅是把自己腦中的樂符抄下來，同時也感嘆為什么上帝不賜予自己這樣的天賦。 而薩里埃里對莫扎特的嫉妒不僅僅是因為他的天賦，更多的是因為莫扎特的張狂和自信，還有他對傳統的宮廷內部制度的藐視，因為他始終認為自己是世界上最好的作曲家，他不受任何人的束縛和控制。

還有就是莫扎特的《安魂曲》真是震撼靈魂的偉大的作品。 它把莫扎特去世前的那種心理狀態淋漓盡致的表現了出來。

有無奈，有苦悶，有悲涼，那種復雜的心理狀況讓聽者無不為之感到惋惜。難怪有人說世上怎會有如此悲傷的旋律！ 可以說貝多芬始終是一個與命運抗爭的人。

由于他長得丑，幾次被心愛的女人拒絕，這對他來說也是不小的打擊，而他后期的失聰更說明他不是上帝的寵兒。 在這樣的困難之下，他還能創造出第九交響曲這樣的作品，則更加體現了貝多芬的偉大。

要知道，失去聽力對一個作曲家來說意味著什么。這就好比廚師失去了味覺，畫家失去了眼睛一樣。

而正是這樣的貝多芬創造了后人無法超越的交響樂的頂峰。所以貝多芬的音樂是不能不聽的。

他的《田園》，《命運》《第九》都被我請進了電腦。 后來便是圓舞曲大師施特勞斯，他的《藍色多瑙河》《維也納的森林》《皇帝圓舞曲》和《春之聲圓舞曲》可以說是經典中的經典，我也是在那個時候反復的聽這些曲子。

同樣是這個時候我聽到了我認為最好的交響曲--德沃夏克的《新大陸》。 尤其是那氣勢磅礴的第四樂章，令我百聽不厭。

總之，我對自己能夠接觸到古典音樂而感到慶幸，也感謝古典音樂給我帶了快樂，希望更多的人也能與分享這些快樂。 你也喜歡古典音樂嘛？想和你叫個朋友！~。

2.中外音樂史及美術史的知識點

這里有一點中西方發展歷程，看能不能對你有點幫助！

中西美術史中“形神觀”的分化與融合

緒論：千古冤家——“形”和“神”

“形似”和“神似”，一個是理性的對待對象；一個是感性的對待對象。在繪畫領域是一個永恒的話題。在這種問題前，摯著是不行的。尺寸問題是避免迷失的關鍵；而辨證的分析是走出理論迷宮的不二法門。在本文中無意也無力對這一個千古的理論懸案作出一個評價，只是想將各類的觀點理成一個脈絡。形似（簡稱形），顧名思義就是在物象外形上肖似。但這一個含義在不同的環境下（中西、古今……）是不同的。在西歐古希臘和文藝復興時期，形似的地位是關系著繪畫的成敗的。而在中國古代，形似的地位就微妙了一些。顧愷之是一個形神兼備的倡導。他的：“傳神寫照，正在阿睹中。”被后世千古引用。后來還被徐悲鴻列入“新六法”中。這一傳統很順利的保持到了宋代的畫院里。可是當時正當文人畫興起，形似的待遇微妙的變化。在蘇軾的倡導下，繪畫講究自我表現，追求意境、神似的風氣，得到文人士大夫的普遍認同。文同、李公麟、王詵、趙令穰、米芾父子等沿波而起，躬行實踐。神似成了繪畫品位的代名詞（這里的神似和顧愷之的神似已不同了。即物象的神和畫面——作者的神的區別。）

所以，神似遠不像形似那么簡單。首先它不僅是對物象神韻的把握，在藝術作品中加入自己的感情，讓藝術作品有自己的思想也是另一種神似。

怕話題越扯越大，便就此打住。進入上部。

上部：意味深長的歷史軌跡

——古（近）代中西“形神觀”的對比。

將中西美術史加以對比總是很有趣的事。探索其差異的原因更是意味深長的。

正如上所述，形似在不同的地域得到了不同的待遇。但是有一點中西雙方是不約而同的。在中西美術上第一個繪畫 *** 都是人物畫的 *** 。

中國人物畫經過了秦漢的發展，到了魏晉南北朝時期終于迎來了一個高峰。以顧、陸、張三絕，影響了整個中國人物畫的發展。

顧愷之（346——407），字長康，小字虎頭，江蘇無錫人，義熙中為散騎常侍，博學有才氣。他是一個早熟的畫家。20多歲江寧瓦棺寺壁畫，居然“光照一寺，施者填咽，俄而得百萬錢”（張彥遠《歷代名畫記》引《京師寺記》），從此畫名大振。他的地位，在三絕中是最高的：“像人之美，張得其肉，陸得其骨，顧得其神，神妙無雙，以顧為貴。”很清楚，在魏晉時期，中國繪畫觀念就已經深深奠定了“神”的表現重于“形”的表現。

看完了以顧愷之為代表的中國人物畫第一個 *** 。就看看西方的人物美術的第一個高峰——古希臘美術。雕塑 雕刻是希臘美術中最重要的部分，它集中地體現了希臘人對美的理想、非凡的藝術才華和對人體的精深研究。許多最優秀的雕刻作品因氣勢宏偉、形象完美和風格洗練而罕與倫比；千百年來無數畫家、工藝家都曾受到它的啟示和影響；它所獨具的內在生命力和藝術魅力，至今仍放射著燦爛的光輝。

古希臘的雕塑經過了三個時期。

古風時期。

作為古風時期雕刻，通常是從前7世紀開始。這時的人像雕刻大都是直立的形象，總的來說，都未打破僵直的形態，造型手法也較生硬。直到前6世紀，雕刻的藝術技巧有了明顯的進步，在人體和動態的表現上都更為自由而富有生氣。

二、古典時期

從前 490年起開始了希臘藝術的古典時期。具有強健的體魄、昂揚的精神和典雅優美的造型，是古典時期雕刻的共同特色，這是希臘各城邦在戰勝外族的侵和建設自己強盛國家的年代中，人們對英雄人物的理想的體現；同時也形成了與此相應的美的規范。

三、希臘化時期

希臘雕刻經過古典時期的發展高峰，到希臘化時期中心移向小亞細亞的西部和愛琴海的部分島嶼。這時期已很少建造宏偉的神殿，那種莊嚴崇高的氣氛在雕刻作品中也漸趨淡薄，而世俗化的傾向則有所發展。然而在某些杰出作品中，仍然保持著古典時期大氣磅颯颯的精神。但到了晚期（以〈拉奧孔〉為代表）雕塑已經失去了崇高的精神。

綜觀古希臘的雕塑藝術。雖然也強調人的精神和生氣。但更明顯的表現出了科學的精神。對人體比例的精準把握（以黃金分割律為代表）明顯的將歐洲美術帶上了寫實主義的路子。同將上述中西雙方的繪畫代表作并列一起，即可以明顯的看出這種差異。

3.誰幫我介紹一下西方音樂史

16世紀末、17世紀初誕生于意大利的佛羅倫薩。由巴迪宮廷的卡梅拉塔會社（camerata，意為俱樂部或小集團）成員巴迪、溫琴佐.伽利萊伊以及佛羅倫薩學者梅在經過大量的對古希臘悲劇研究的基礎之上誕生的。

西方音樂史教學的具體內容主要包括三方面：

第一，西方音樂的歷史發展與沿革。如西方音樂內容與形式的演變史，西方音樂理論及各種音樂體裁的起源和發展過程；主要作曲家、演奏家的藝術生涯、作品風格特征及其影響；

第二，西方社會政治、經濟、文化的歷史對西方音樂發展的影響，從音樂這一獨特視角反映西方文明的歷史進程及其人文精神的特征。

第三，音樂的表現手法與音樂審美方法。如音樂欣賞的基本知識，音樂的構成要素及各種理論、流派等，

4.大家幫忙介紹下關于音樂的知識

古典主義音樂Classical Music，中文翻譯為“古典音樂”。

有人認為"古典"給人的感覺有古董、古板的味道，故改稱“經典音樂”。也有人根據牛津英文辭典里對古典的定義：to be in traditional and serious style，而稱之為“嚴肅音樂”。

浪漫主義音樂是古典主義音樂的延續和發展，是歐洲音樂史上的一種音樂風格或著一個時代。浪漫主義風格音樂注重情感和內容的表達，打破古典主義音樂時期的種種形式上的束縛。

巴洛克音樂 巴洛克（Baroque）一詞本義是指一種形狀不規則的珍珠，在當時具有貶義，當時人們認為它的華麗、炫耀的風格是對文藝復興風格的貶低，但現在，人們已經公認，巴洛克是歐洲一種偉大的藝術風格。 鄉村音樂 這個名字是20世紀20年代在美國出現的，它的源流很廣。

那時歌曲的內容，除了表現勞動生活之外，厭惡孤寂的流浪生活，向往溫暖、安寧的家園，歌唱甜蜜的愛情以及失戀的痛苦等都有。 爵士音樂 爵士樂由民歌發展而來，有多種源頭，不易仔細考證。

19世紀期間音樂是美國南部種植園黑人奴隸們表達自我生活和情感的重要手段。從19世紀末開始，爵士樂以英美傳統音樂為基礎，混合了布魯斯、拉格泰姆及其它音樂類型，是一種“混血”的產物。

搖滾 從最純粹的形式來講，所謂搖滾，就是三 *** 加強硬持續的鼓點加上口的旋律。搖滾不僅是一種音樂形態，實際上它是一種“人生的態度和哲學“，也正因為如此，搖滾樂才有別于一般流行音樂（Pop Music）。

真正的搖滾文化至少可以提煉出這樣一個縮微的全貌：嬉皮文化、藝術搖滾、朋克樂、先鋒音樂、重金屬等。 重金屬音樂（HEAVY METAL），簡單來說，就是用稍微超常的力度來演奏搖滾樂。

吉他，作為這種音樂的主要元素，在演奏時比通常響一點，更具復仇感。 朋克音樂 朋克PUNK， 是興起於1970年代的一種反搖滾的音樂力量。

PUNK在中國大陸譯作"朋克"； 在臺灣譯作"龐克"， 香港則叫作"崩"。 在西方， PUNK在字典是解（俚語）小流氓、廢物、 *** 、孌童、低劣的等意思 （雖然現在它的意思有了一定的改變）。

靈魂音樂。靈魂樂是南方福音和中西部的節奏藍調的融合，禮拜樂的復興被帶入節奏藍調的 Boogie-Woogie 世界之中。

從這種肥沃的基礎開始，靈魂音樂誕生了。靈魂音樂的特點是堅實的節奏部分配以明確的世俗動感及宗教音樂。

吉它常常讓位于 Hammond B-3 風琴，同時采用一些管樂。然而幾乎所有靈魂音樂都以熱情、高揚的嗓音作為標志，偶爾也加一些即興表現。

R&B的全名是 Rhythm & Blues，一般譯作"節奏布魯斯"。廣義上， R&B可視為“黑人的流行音樂”，它源于黑人的Blues音樂，是現今西行流行來和搖滾來的基礎，Billboard雜志曾介定 R&B為所有黑人音樂，除了 Jazz和Blues之外，都可列作 R&B，可見 R&B的范圍是多么的廣泛。

近年黑人音樂圈大為盛行的 Hip Hop和 Rap都源于 R&B，并且同時保存著不少 R&B成分。 HOUSE是于八十年代沿自 DISCO發展出來的跳舞音樂。

這是芝加哥的DJ玩出的音樂，他們將德國電子樂團Kraftwerk的一張唱片和電子鼓（Drum Machine）規律的節奏 及黑人藍調歌聲混音在一起，House就產生啦~一般翻譯為"浩室"舞曲，為電子舞曲最基本的型式，4/4拍的節奏， 一拍一個鼓聲，配上簡單的旋律，常有高亢的女聲歌唱. DISCO流行后，一些DJ將它改變，有心將DISCO變得較為不商業化， BASS和鼓變得更深沈，很多時變成了純音樂作品，即使有歌唱部分也多數是由跳 *** 歌手唱的簡短句子，往往沒有明確歌詞。 Britpop（英倫搖滾） 雖有個“ Pop"字，但其實是 Rock的一種，源于九十年代英倫，中文可譯為“英式搖滾”，這是英倫樂壇對美國 Grunge潮的一個回應，主要是以樂隊形式出現。

不過， Britpop風格其實十分廣泛，如 Oasis是結他搖滾樂隊， Blur則Pop很多，而Pulp則接近Glam Rook及跳舞風格，不過他們都被列作 Britpop。 Trip-Hop（神游舞曲） Trip-Hop是英倫/歐洲跳舞音樂的一種，它的名字來源是“ Trip+ Hip Hop"= Trip-Hop"，因為它發源自英國的Bristol，因此最早時稱作"Bristol Hip-Hop".。

Gangsta Rap （匪幫說唱） 是 Rap的一種，以 Rap的內容多與都市罪案有關，充滿暴力、 *** 感受，這是反映現實的一種音樂路向。 Gangsta Rap于八十年代末期在美國興起，音樂Rap中的強悍尖銳派，在美國大受歡迎，唱片銷路甚高。

Synth Pop中的 " Synth"，即 Synthesizer，顧名思義， Synth Pop就是“由 Sythesizrs炮制出來的流行樂”，當然除 Synthesizers外還會用上其它電子樂器如電腦及鼓機等等。 Synth Pop于八十年代初期開始流行，至八十年代中開始沉寂，當年在香港也曾掀起過一陣熱潮。

Synth Pop的特點是科技感強，有時會頗冰冷，歌曲多是“三分鐘流行曲” （3-minutes Pop），很多時 Synth Pop樂手會作入時打扮。 ORCHESTRA就是管弦樂團，它分成四部分： 1弦樂，包括小提琴、大提琴等， 2銅管樂 3木管樂和 4敲擊樂四組。

弦樂組每種樂器有多人演奏 （豎琴除外 ），四組演奏者由一人統籌兼領導，他就是樂團的指揮。 CHAMBER POP （室內樂） 是指典。

5.應聘小學音樂教師怎么樣復習筆試,專業基礎知識,主要是西方音樂

我去年剛拿的高中的教師資格證，專業理論這一塊基本上沒怎么復習，因為這個東西沒法復習，靠的是平時的積累，你說的西音史跟中音史的比重不算太大，只在選擇題里面出現，最主要的還是最后的大題，教案的寫作。

說回去，為什么我說沒法復習？你把往年的真題看一遍你就會發現這種基礎知識可考的點太多，根本沒有反復考察的東西，一些最基本的諸如“黃河大合唱的詞曲作者是誰”之類的常識根本不會考，所以我的建議是把重點放在大題，音樂史的知識買本資料瀏覽一遍就好。

比如說今年有個題目我印象很深刻，叫“弦樂四重奏《風。雅。頌》的作者是誰”，選項里面有譚盾、郭文景之類的中國當代作曲家，你說這類題目怎么復習？所以這些主要靠積累，背的作用的確不大，投資跟回報并不成正比。

6.西方音樂發展史

一、古希臘羅馬音樂 因為留下來的樂譜資料都少得可憐，所以我們對這一時期的音樂知道得很少。

古希臘的音樂的起源是同神的崇拜和神話傳說聯系在一起的。“Music”一詞源于“muse”，在古希臘神話中繆斯（Muse）是掌管藝術的女神。

著名的神阿波羅、雅典娜、狄俄尼索斯等都是藝術之神，傳說音樂就是由他們所創造的。古希臘音樂在宗教活動中的運用極為普遍，也發揮著重要的作用。

古希臘的樂器主要有里拉琴（Lyre）和阿夫洛斯管（Aulos），它們傳說是由不同的神發明和擁有的，因此常常與不同的神崇拜相聯系。里拉琴是一種弦樂器，多用于獨唱伴奏，史詩彈唱，常與阿波羅崇拜聯系，是祭祀阿波羅儀式中的主要樂器。

阿夫洛斯管是一種管樂器，常用在崇拜酒神狄俄尼索斯的儀式中。在西方現代文化觀念中，里拉琴和崇拜阿波羅的音樂與阿夫洛斯和崇拜酒神的音樂，已成為相互對立性格的兩大類音樂的象征。

前者是平靜而節制的日神風格，后者是放縱、浪漫的酒神風格。常常與詩歌、舞蹈、戲劇結合在一起，唱歌時有時有樂器伴奏。

二、中世紀音樂 大約從公元5世紀開始到14世紀，是西方音樂歷史上的最漫長的中世紀時期。中世紀的音樂主要是基督教宗教音樂，世俗的民間音樂不被重視。

教會的權力高于國家和其它社會集團，一切社會意識形態，包括各種藝術以及哲學在內的各方面都要為教會服務。這時期廣泛傳播的是教堂禮拜歌唱的圣詠、贊美詩。

“新藝術”的概念來自法國主教、詩人、音樂家菲利普·維特里的一篇論文。

這一概念很快就被廣泛使用，說明當時出現了一種新的音樂潮流，與13世紀舊的“古藝術”不同。“新藝術”的主要特征是音樂創作空前世俗化，作曲家把宗教復調音樂與世俗音樂語匯相結合，探索音樂形式創造的各種新的可能。

采用更小音符時值的記譜方式，節奏記譜系統化。新藝術最重要的代表人物是馬肖（Guillaume de Machaut,1300-1377），意大利的代表人物是蘭迪尼（Francesco Landini,1325-1397）。

西方文明史上的“中世紀”時期曾經一度被視為蒙昧黑暗的時代，但我們今天常傾向于以一種更客觀的態度來評判這段歷史。從音樂的角度看，教會對音樂的影響雖有其消極的一面，但也有積極的一面。

教會對于音樂的重視，對于教儀音樂的統一作出的努力，對音樂發展投入的大量人力物力，都促進了中世紀歐洲音樂的發展，也使音樂資料能較為完好地保存下來。復調音樂和管風琴的產生為后來的專業音樂發展奠定了堅實的基礎。

三、文藝復興時期的音樂 文藝復興（Renaissance）一詞是法文，原意為“再生”。這個時期在西方歷史上大約從1300年持續到1650年。

這個詞反映了這時期的思想家們對中世紀的懷疑否定和對古代文化的崇尚，他們對于復興古希臘和羅馬的文化遺產產生了興趣。但這種復興，并不是單純地原樣再現，乃是通過復興古代的精髓，建設一種新的文化、新的傳統，而且其成就很快超越了古希臘、羅馬影響的范疇。

在這場運動中，“人文主義”是其最有影響力的思想潮流，也是這場變革的核心。人文主義者主張以人為本，鼓勵人們張揚人性，掙脫神性的桎梏，強調人是社會的主宰而并非是神。

他們頌揚人類對生活的熱愛以及人類的智慧，相信人的力量能戰勝一切。文藝復興時期一般是指大約從1430年至1600年前后這一時期，在音樂領域的變革是在繼文學、繪畫等領域之后。

文藝復興時期的音樂一方面已經具有明顯的世俗化的傾向，一方面又仍然與宗教保持著密切的聯系。 1、尼德蘭樂派。

尼德蘭樂派是指15、16世紀一批出自低地國家的音樂家，大致在法國北部、比利時和荷蘭等歐洲北方地區。 2、16世紀的世俗音樂。

16世紀西歐的音樂出現了一些新的傾向。各國興起了一批具有民族風格的音樂，這些音樂主要以聲樂體裁為主，主要有意大利的牧歌（madrigal）、法國的尚松、德國利德（Lied）、西班牙的田園歌和浪漫曲、英國的牧歌和琉特琴歌曲等。

3、宗教改革的音樂與世俗音樂的發展相應，16世紀的宗教改革也為教會音樂帶來了深刻的變化。 四、巴洛克時期的音樂 巴洛克時期通常是指從1600年到1750年之間這150年的范圍。

“巴洛克（Baroque）”一詞來自葡萄牙語，原意為形狀不規則的珍珠，原來是用于建筑、美術領域的術語，后逐漸用于藝術和音樂領域 1、歌劇的誕生 歌劇是一種用音樂來表現的戲劇，它的前身可以追溯到古希臘時代的悲劇、中世紀的教儀劇、神秘劇等。 2、器樂的發展 巴洛克時期的器樂上升到了一個新的突出地位，形成了這一時期聲樂、器樂、歌劇三足鼎立的局面，器樂第一次與聲樂處在了平等的地位。

巴洛克時期最重要的特征之一是大量使用“通奏低音”，這是一種不同于文藝復興是親的復調織體的主調和聲織體，基本上由旋律加和聲伴奏構成。有一個獨立的低音聲部持續在整個作品中，上方有一個華麗和富于裝飾的高聲部，中間聲部并不寫出，由演奏者即席演奏。

巴洛克時期大小調體系和功能音樂逐漸建立；記譜法也不斷完善；“情感論”理論形成，相信音樂的主要目的是喚起人們的情感。他們用一種類型化的音樂來表達歌詞的情感，如高音表示光明。

7.西方音樂史的發展,分為那幾個時期,以前個個時期的代表作

16世紀末、17世紀初誕生于意大利的佛羅倫薩。由巴迪宮廷的卡梅拉塔會社（camerata，意為俱樂部或小集團）成員巴迪、溫琴佐.伽利萊伊以及佛羅倫薩學者梅在經過大量的對古希臘悲劇研究的基礎之上誕生的。 西方音樂史教學的具體內容主要包括三方面： 第一，西方音樂的歷史發展與沿革。如西方音樂內容與形式的演變史，西方音樂理論及各種音樂體裁的起源和發展過程；主要作曲家、演奏家的藝術生涯、作品風格特征及其影響； 第二，西方社會政治、經濟、文化的歷史對西方音樂發展的影響，從音樂這一獨特視角反映西方文明的歷史進程及其人文精神的特征。 第三，音樂的表現手法與音樂審美方法。如音樂欣賞的基本知識，音樂的構成要素及各種理論、流派等， 而發展經歷的時期入下：西方音樂歷史及音樂體裁的發展主要經歷了以下幾個階段：

一、西方音樂的起源可以追溯到古代的美索不達米亞平原。起源時期的音樂，主要用于神廟祭祀、節日慶典，帶有明顯的宗教色彩。蘇美爾人、埃及人、希伯來人和古希臘人推動了音樂的發展。

二、中世紀的前期和盛期

這一時期主要是單音音樂時期，大致從公元600~1300年。

三、“新藝術”時期

公元1300~1450年，是中世紀向文藝復興過渡的階段。

四、文藝復興時期

1450~1600年，文藝復興的中心在意大利，但音樂中心卻在法國的勃艮第地區和佛蘭德。這一時期德國、英格蘭音樂的興起，羅馬教堂音樂的改革和威尼斯樂派的活躍使這個時期的音樂成就不遜于其他的藝術。

五、巴洛克時期

1600~1750年，從蒙泰威爾弟開始，到巴赫和亨德爾結束。巴洛克時代在西方音樂史乃至整個藝術史上都是一個十分重要的時代。巴洛克音樂氣度高貴、情調感人，內容比文藝復興時期更豐富 、更具戲劇性。歐洲音樂的許多重要體裁都在這一階段初步形成，如歌劇、組曲、奏鳴曲、協奏曲、清唱 劇、康塔塔（大型聲樂套曲）等都已具備了經典形式。音樂巨人巴赫、亨德爾則把巴洛克音樂推向了 *** 。

六、古典主義時期

以恢復希臘、羅馬的古典風格為目的，主要放眼于追求客觀美的古典主義音樂，在維也納形成了氣候，海頓、莫扎特、貝多芬三位音樂家的杰出之作讓音樂史為之一振。這一時期成為器樂的 黃金時代，鋼琴曲、小提琴協奏曲的創作層出不窮，奏鳴曲式的確立被認為是這一時期成就的代表。

七、浪漫主義時期

浪漫主義樂派是人類藝術史上的一大“寶庫”。這一時期不但盛產偉大的音樂家，而且音樂體裁空前廣泛，出現了諸如無詞歌、夜曲、藝術歌曲、敘事曲、交響詩等新穎、別致的形式。這 種更注重音樂內容的音樂流派，使一些非音樂因素成為音樂的主宰。浪漫主義音樂經過門德爾松、舒曼、肖邦和威爾弟等人的完善，在柴可夫斯基、李斯特和瓦格納的時代達到了巔峰。

八、新音樂

這是20世紀音樂的統稱。和其他藝術一樣，音樂開始出現多種流派百花齊放的局面。音樂創作的保守與創新兩派在音樂文化發達的德國、俄國、英國、美國等地相互競爭，這在一定程度上促進了音樂的繁榮。但在50年代后，隨著電子音樂和計算機等的高新技術的出現，音樂家們都希望在音樂新一代的音樂語言、節奏的發展上找到共同點，重塑作曲家角色及音樂藝術的本質。

物理聲學的論文

無聲的世界

如果世界沒有聲音，會是什么樣的呢？如果世界沒有聲音，我們就不再有語言；如果世界沒有聲音，生物也就不需要聽覺；如果世界沒有聲音，也就沒有搖滾爵士樂；如果世界沒有聲音，也就沒有廣播和影片；如果世界沒有聲音，社會可能多了不少危險；如果世界沒有聲音，也就不存在這世界。

在這個世界上，有樂音，有噪音，但這兩個詞差天同地。幸好我們有耳朵，能聽到這個世界的聲音。如果沒了聲音，世界就變得死一般寂靜，那對于我們實在是太可怕

如果真的沒有了聲音，我們會怎樣呢？

如果你進入到一個沒有聲音的世界，你可以聽到自己的心跳、行動時衣服的摩擦聲，甚至可以聽到關節摩擦聲和血液的流動聲。半小時后，你的聽覺會更加敏銳，只要你輕吸一下鼻子，就像聽到一聲大喝。甚至一根針掉在地上，也會感到像一記重錘敲在地面上。一個小時后，你開始感到極度恐懼；三至四小時后，你便失去理智，逐漸走向死亡的陷阱。

可見沒有聲音是多么可怕。耳朵聾了，是否跟在沒有聲音的世界一樣呢？我以前沒有認識到自己能聽到聲音是很幸福的，那我以后要真惜。讓我們多享受美妙的聲音。

如果世界沒有聲音，我們就不再有語言；如果世界沒有聲音，生物也就不需要聽覺；如果世界沒有聲音，也就沒有搖滾爵士樂；如果世界沒有聲音，也就沒有廣播和影片；如果世界沒有聲音，社會可能多了不少危險；如果世界沒有聲音，也就沒有物理教學；如果世界沒有聲音，也就沒有這篇《無聲的世界》。

高中音樂鑒賞論文800字

文章摘要在轟轟烈烈的新課改浪潮中，一切都是“新”的。無論是教師，還是學生，都在更新觀念、創新思維、積極實踐。本文將針對普通高中《音樂鑒賞》教學內容的選擇談談筆者的看法：音樂教育專家緊扣新課程方向選擇風格、流派、地域、體裁不同的音樂作品供學生欣賞，以滿足情感態度價值觀、過程與方法、知識與技能等方面的教學目標和評價標準。但學生對教學內容存在異疑，他們喜歡音樂的“流行美”、“直觀美”，他們對時尚的旋律、明星的表演、浪漫的意境、動聽的配器等方面充滿期待。他們想通過直觀的方式學習音樂，渴望在音樂課堂上得到音、畫、舞等方面的全方位欣賞，以滿足他們的感觀需求，從而對音樂鑒賞產生濃厚的興趣。因此，作為教師，一定要更新教學觀念，構建新型師生關系，一切從實際出發，選擇適合學生的的音樂作品，整合高中《音樂鑒賞》教學內容，更好的服務學生，服務教學。

正 文

記得中國頂級的成功學激勵大師陳安之講過：比爾蓋茨之所以會成為世界首富，答案是他具有非凡的眼光，選擇了最具前景的軟件行業，如果他選擇賣燒餅，答案一定是否定的。由此可見“選擇”的重要性。在我們身邊很多人每一天都在任勞任怨、勤奮努力的工作，但收獲頗少，平凡依舊，原因是沒有選擇真正屬于自己的方是與方法。高中音樂鑒賞教材作為教師教學、學生學習的依據，對整個教學活動起著至關重要的作用。因此，根據大綱、教師、學生的實際情況選擇適當教學內容就顯得尤為重要。

教育專家傾力協作 科學構思教學內容

縱觀我們整本高中音樂鑒賞教材不難發現：專家為了實現新課改的各項目標，緊扣高中音樂鑒賞教學的指導思想，以審美教育為核心，從學生實際情況出發，多角度、多渠道地從各個領域有的放矢地對學生進行審美教育。使學生在聆聽中樹立正確地情感態度價值觀；在實踐中體味音樂鑒賞的過程與方法；在學習中掌握必要的知識與技能。

從教學評價入手―――注重學生情感態度價值觀 過程與方法 知識與技能的協調發展

首先，在教學內容的設置上，專家們特別注重對學生情感呵護，引導其樹立積極樂觀的生活態度，形成正確的人生觀和學習觀。例如：《音樂與人生》、《京劇大師梅蘭芳》、《貝多芬》等單元側重將音樂和作為音樂活動主體的“人“聯系起來，使音樂學習過程真正成為”人“的活動。一切從“人”的思想、意識、興趣、情感出發。

其次，讓學生通過對不同體裁、形式、風格的音樂作品的聆聽，培養學生分析和評價音樂的能力，引導學生的探究、創造能力，養成良好的音樂學習習慣和學習方法。例如：《多彩的民歌》《豐富的民間器樂》等單元是引導學生感受、體驗民族音樂的區域風格特征，認識民族音樂中的體裁，感受傳統民族音樂文化中的精神財富，從而得到文化、精神洗禮的過程。并在此過程中，運用所學的知識去旁及其他地區或國家的民族音樂，從而歸納民族音樂的鑒賞方法。

第三，通過欣賞多種中外音樂作品，認識、了解、掌握音樂要素、音樂流派、代表人物、風格特征、題材文化、流行音樂等方面知識與技能。例如：在《京劇》、《非洲歌舞音樂》、《爵士樂》等單元中，音樂知識與技能學習是必不可少的。因為這些知識與技能恰好是服務于我們的欣賞過程，有利于我們鑒賞音樂的旋律美、和聲美、結構美。例如：京劇單元讓我們知道了人物行當、唱腔、京劇名家、京劇的發生發展歷史等知識；非洲音樂單元則是讓我們了解了非洲樂器、非洲歌舞音樂的特點；爵士樂單元則讓我們學習到了爵士樂的相關知識，了解爵士樂的主要特征和風格特點。

在教材的構思的過程中，專家往往在同一單元中同時考慮到了情感態度價值觀、過程與方法、知識與技能等多個評價標準，并使它們有機的結合起來。讓學生在過程中體驗方法；在方法中學習知識和技能，從而形成良好的生活態度，樹立積極向上的學習觀和人生觀，真正達到音樂鑒賞課教學目的。

從音樂內在體裁結構入手―――分時期 分流派 分地區 分門類設置教學內容

專家們在進行內容選編的時候，為了更加全面的讓學生了解到各種不同時期的音樂，選擇了巴洛克、維也納古典樂派、浪漫主義、印象主義、現代主義等不同流派的音樂，并對其代表人物進行了介紹；為了更加全面的讓學生了解到不同地域的音樂，選擇了亞洲、非洲、歐洲、拉丁美洲等地區的具有代表性的民族音樂；為了更加全面的讓學生了解到各種不同體裁的音樂，選擇了京劇、爵士樂、中國民族歌劇、古琴音樂等不同門類的音樂作品；為了更加全面的讓學生了解到各種不同民族的音樂，還選擇了中國蒙古族、藏族、維吾爾族等民族的民族歌曲等等。都較系統、全面的含蓋了各種音樂題材、風格和流派。從音樂鑒賞內容層面上基本上滿足了教師學生“教”與“學”的需求。

根據筆者三年來的新課程教學經驗發現：盡管教育專家們在教學內容的設置上費了不少心思，也付出了辛勤的勞動，選擇的內容順應了新課程的正確導向，為學生找到他們眼中“最新”的教學內容。作為學生，為了適應新中國成立以來的最徹底的課改，同樣也在努力的尋找音樂給他們帶來的那份“情”，那份“美”。然而，音樂課堂上他們總是沒精打采，毫無興趣。調查發現：學生對教學內容的“選擇”有很大異疑，他們認為教材所選擇的內容陳舊、曲調老土、配器難聽、版本單一等等，基本上都“不好聽”，“不愛聽”。所以，現在從學生的角度談談音樂鑒賞課教學內容的“選擇”。

學生強烈呼喊 我們努力過但沒有“興趣”

學生喜歡音樂，但不喜歡音樂課。因為音樂課堂沒有他們想要的東西。所以大多數同學在課堂上要么是迎合老師，做出一副很認真的模樣；要么是趴在課桌上睡覺或聽音樂；要么是帶上其他文化科作業或課外書籍等等。總之，他們在音樂課堂上找不到他們的需求。那么，學生對音樂鑒賞課的需求是怎樣的呢？

與時俱進 追求音樂的流行美

現代世界，包括音樂在內的各方面都在飛速的發展。無論是音樂創作，還是音樂表演，都在技術上，藝術上有了很大突破，緊緊的體現了時代氣息和人們對音樂文化的需求。作為欣賞主體的學生，理所當然對音樂的品味也越來越高。經過筆者三年來的教學實踐發現：

時尚旋律美，是學生音樂鑒賞的首要需求

在《學堂樂歌》單元中，學生對教學內容比較陌生，缺乏興趣，甚至認為其旋律老土，沒有新意。課后，我認真的反思并作出了調整，我將“學堂樂歌’和 “校園民謠”結合起來，課堂上簡略的聆聽“學堂樂歌”，重點是欣賞具有時代氣息的“校園民謠”。比如《同桌的你》、《睡在我上鋪的兄弟》等，這樣既抓住了學生的興趣，又自然的進行了同類音樂的拓展，收到了良好的教學效果。

通俗音樂的特點

通俗音樂（Popular Music）——把專業音樂創作的傷口稱為“嚴肅音樂”，把不表現重大體裁和思想內容的作品稱為輕音樂，習慣上人們把通俗易懂、情調輕松的音樂，例如小斯特勞斯的那些圓舞曲等歸屬這個名詞之下，以后，爵士樂、搖滾樂團、輕歌劇情、迪斯科等層出不窮的群眾性的歌舞形式愈來愈多，而這些音樂雖然帶有自娛的色彩，但有時亦有針貶時事，抨擊現實的作品，原先的輕音樂的概念很難把這些都涵蓋進去，有一些媒介把這些都為流行音樂，但這樣就混淆了深受群眾熱愛的古典與這些音樂的界線，。現在，理論家們一般都用通俗音樂一詞概括這些音樂現象.

什么是通俗音樂

1、通俗音樂的源流

人類的音樂生活可以追溯到遠古，人類社會的音樂藝術是豐富多彩的。當我們審視整個音樂藝術天地，可以發現，它大致呈現為兩個部分：一是民間音樂（在很大程度上是傳統久遠的鄉村音樂），一是藝術音樂（或曰嚴肅音樂、古典音樂）。在這中間，有一個廣闊的地帶，那便是通俗音樂（或者叫做流行音樂）。我們很難給通俗音樂劃定一個明確的界限，它與藝術音樂以及民間音樂之間互相滲透、互相結合，組成一個五彩紛呈的音樂世界。不過，在一般情況下，它們三者之間的分野還是十分清楚的。

早期通俗音樂的創作和演出多是商業性的，在城鎮中進行，因而有別于鄉村色彩濃郁的民間音樂；同時，它不具有藝術音樂的那種規范性與穩定性。它的早期，在多種情況下只是口頭流傳。故此，有人說，通俗音樂乃是有別于藝術音樂和民間音樂，泛指一種通俗易懂、輕松活潑、易于流傳、擁有廣大聽眾的音樂。更有人說，它即是“大眾的音樂”。

據國外的音樂史家們研究，在公元前的古羅馬、古埃及一帶，以音樂為生的行吟歌手們說在興起的城市集鎮間流動，遍及劇場和街市的“擊”歌現象，為廣大平民們所喜愛。到了中世紀，通俗音樂幾乎覆蓋了廣大的社會生活和藝術天地。

通俗音樂作為一個專有名詞，據稱最早出現在十九世紀歐洲的報刊上。到了二十世紀，特別是第二次世界大戰以后，通俗音樂名目日益繁多，風靡世界各地。電聲樂器的出現和一系列現代科技手段，更使它插翅飛翔，無處不達了。

2、通俗音樂的特色

通俗音樂由于是“大眾的音樂”，故大多取材于日常生活，尤以愛情歌曲居多，也有描寫理想、倫理、思鄉、友誼、感喟等人之常情的種種內容。它富于娛樂性，手法和風格均較自由。

通俗音樂的結構，大多比較短小精練，許多作品富于即興性，在旋律上力求易記易唱，音域不寬。總之，十分注意通俗性。

通俗音樂的演出，十分強調群眾性，強化交流。所以，大型演出甚多，燈光、美術、服裝、舞蹈、音響等綜合運用，往往造成十分強烈的效果。

通俗音樂在其發展過程中，越來越和新的電子科技手段相結合。除了現場演出外，它的各種傳播方式無不十分現代化。

3、通俗唱法

通俗音樂的無比豐富性，也決定了其組成部分通俗歌曲演唱的豐富性，所以，有人認為，“通俗音樂的演唱千差萬別，并不統一”；也有人說，“流行歌曲的演唱，幾乎是沒有確定規律可言的事情。它的聲音表達方式，就是讓你覺得具有自己的特點和個性就越好”；甚至有人說，“只要能隨心所欲地哼上幾句，唱上一曲，這就是通俗唱法的特點”。實際上，當已形成一種唱法之后，在具體演唱操作上，還是有其一定的規律的。

可以說，通俗歌曲題材的廣泛性與平民化，音樂的娛樂性與簡易化，演唱者大多為非專業人員，自娛自唱者居多，因此，很自然地形成了這樣一種唱法，即多用自然嗓音，音域一般不寬，吐字清晰，親切隨意。這種因通俗歌曲而產生的唱法，即可稱之為通俗唱法。

應該提到的是，通俗唱法因通俗歌曲而生，而在實踐中，它又具備了一種獨立性。已經有許多這樣的例證，即用通俗唱法演唱正宗的藝術歌曲或民族民間歌曲，但，這只是一種派生現象。

參考資料里有本對你有用的書：

目錄：

引言

第一章

第一節通俗音樂及其特征

第二節我國通俗音樂的形成與發展

第二章

第一節音樂欣賞的一般心理過程

第二節通俗音樂欣賞的方式

第三節通俗音樂欣賞的價值與意義

第四節提高音樂欣賞能力的方法

第三章

第一節通俗歌曲概述

第二節通俗歌曲的分類

第三節通俗歌曲的風格與藝術特征

第四節通俗歌曲的演唱方法

第四章

第一節靈動感人的爵士樂

第二節激情狂熱的搖滾樂

第三節溫馨浪漫的輕音樂

附錄一百首經典中文名曲賞析

本人找到了些論文你可以參考下啊：

1、對通俗音樂和嚴肅音樂的理解

新聞與傳播學院 編輯出版學

曾經試圖以摯愛音樂和會小彈些吉他為美麗的背景，選擇了西方音樂史這門通選課。幾個星期前還懵懵懂懂地以為那些耳熟能詳的通俗音樂完全可以作為選修這門課的資本。可是現在想起來，真是覺得好笑。通過老師對巴洛克音樂、維也納古典音樂以及浪漫主義音樂等音樂知識的講解，使我受益匪淺。也終于有機會寫下一點東西和老師進行交流。文筆拙劣，見諒。

提起通俗音樂，幾乎是無人不曉。但是相對而言的嚴肅音樂，就不那么容易理解了。翻了一些音樂方面的書籍，也沒有找到關于嚴肅音樂的明確定義。索性就自己為它指定了一個范疇。我個人認為，課上老師所講授的巴洛克音樂、維也納古典音樂、浪漫主義音樂以及將要講授的印象主義音樂等都應該屬于嚴肅音樂。它的表現形式包括中外交響樂、歌劇、歐洲傳統唱法等。而與此相對應的爵士樂、搖滾樂、偶然音樂、噪音音樂等就應該劃歸為通俗音樂的范疇中了。某音樂界前輩曾經認為“通俗音樂主要是以‘通俗唱法’為特征的歌曲演唱以及與之相匹配的各類輕音樂演奏。”可見通俗音樂的隨意性和大眾化特征。

那么，嚴肅音樂和通俗音樂這兩種陸續產生并各自繁榮發展的不同音樂形式和風格之間到底是什么樣的關系呢？這是自看完音樂劇“巴黎圣母院”之后便開始考慮的問題。

在欣賞這部充滿現代感的經典名劇時，很多人都在為這種脫胎換骨般的音樂劇演繹形式所驚詫不已。因為貫穿其間的通俗歌手和通俗音樂完全取代了傳統的以嚴肅音樂演繹的歌劇形式，給人一種徹底的改變和全新的感受，甚至一種新的境界。我們知道，音樂本身是一些不同音高的音的組合，那么每一種組合也就代表每一種思想，每一份情感。音樂是發自于人們心靈的聲音，而不僅僅是簡單的音符的堆砌。從貝多芬、莫扎特、勃拉姆斯等音樂大師的人生經歷中，不難發現其音樂創作與不同時期的思想和心理狀態是有著直接聯系的。因此，不管是在理解嚴肅音樂，還是在理解通俗音樂的時候，都要力求從音樂中發現感情，發現音樂中涵蓋的創作者內心世界的真實感受。從這一點來看，雖然是不同的音樂表現形式，通俗音樂和嚴肅音樂還是有著基本的相同點的。所以，很多人認為嚴肅音樂和通俗音樂簡直不在一個層次上，難以相提并論，甚至認為二者互不相容、互相排斥。這些觀點由此看來是欠為妥當的。當然，把嚴肅音樂視為陽春白雪，而把通俗音樂視為下里巴人，這并不為過。相對而言，一雅一俗，也是不無道理的。對于嚴肅音樂的理論、形式、風格以及變化發展，在課堂上老師已陸續講授得十分詳細，在此不一一贅述。簡單分析一下通俗音樂的產生和發展情況。

西方國家以美國通俗音樂為代表，其通俗音樂起源于“布魯斯”，也被譯為“藍調”，由美國黑人創造。布魯斯是一種獨特的表現個人情感的大眾音樂，也是一種對生活中各種情感的表達和宣泄方式，取材于普通民眾的生活，又傳播到生活中間，并進一步完善和發展。爵士音樂還包括拉格泰姆，也譯為散拍音樂，同樣十分具有表現力，適合表達人們的心情。還有一種叫作美國“黑人靈歌”的爵士樂形式，不太為人所知，其風格簡樸，適合普通人即興演唱，借以抒發其不斷變化的情緒。通俗音樂由此得以興盛發展。后來又誕生出鄉村音樂、搖滾樂等新的通俗音樂形式，大大豐富了通俗音樂的內容，使其終成一派。

東方通俗音樂暫以中國通俗音樂進行粗淺的介紹。通俗音樂在中國的流行始于20世紀80年代初期，文革結束之后，長期被“左”的桎梏嚴重束縛了的音樂方面的創造力，終于迸發出來，打破了曲高和寡的“任務”音樂的創作，融入了音樂創作者真實的情感元素，構成了適合群眾口味的音樂新領域。

可見，無論東方還是西方，通俗音樂的興起都是以特定的社會狀況和社會中多數民眾的普遍心理狀態為背景的，也是作為人們表達生活中細微的或者敏感的情緒變化的一種手段生存下來，并隨著社會的發展不斷完善。因此，通俗音樂在音樂中的地位是歷史、社會、人類賦予的，是順應時代發展潮流的。所以，我們也絲毫沒有理由無視它的存在。

誠然，嚴肅音樂和通俗音樂無論從形式還是內容上，都是有區別的。嚴肅音樂完整統一、有一定的體系結構，往往給人一種整體感和充實感。主題明確，表達詳實、充分，調用多種正規樂器加入其間，通常選用專業的音樂演奏團體和演唱者進行演繹。因此顯得華麗、正式、嚴肅。通俗音樂則不同，其表現形式多樣，旋律和節奏上都較嚴肅音樂有了很大改變，更靈活、多樣、貼近生活。雖然也存在主題思想，但不明確，結構上略顯分散。在演繹過程中，采用的樂器和人員并非要求專業，甚至簡單的一把吉他，再加上一位說唱式的歌手，就可以完成對通俗音樂的表現。因此，這種音樂形式更容易被大眾接受，傳播的范圍也更廣泛。

雖然如此，我們也并不能將它與嚴肅音樂進行嚴格意義上的“劃清界限”。下面就以音樂劇“巴黎圣母院”為例，粗淺地談一談嚴肅音樂和通俗音樂的聯系。

首先，應該說嚴肅音樂來源于“通俗”。換句話說，嚴肅音樂取材于現實生活。課上老師介紹過的諸多音樂家，其創作無不建立在其生活閱歷和情感；歷程的基礎上。沒有哪個音樂家可以憑空想象出樂音的排列，也沒有哪個音樂家可以簡單地借助空想來進行創作。“空中樓閣”是不可能建造出來的。只有將生活融入到音樂創作中去，才使音樂獲得了生命，得以發展。音樂劇“巴黎圣母院”這一高壓的表現形式，不也是建立在雨果來源于真實生活經歷和社會背景的創作之上的嗎？正是因為雨果在其作品中融入了生活的元素，社會和人類的情感元素，才能使這部小說成為驚世之作，才使其有資格被演繹成高雅的音樂藝術，進一步宣傳并提高它的價值。

其次，嚴肅音樂和通俗音樂之間是相互補充、相互滲透和融合的。音樂劇“巴黎圣母院”就充分體現出了這一點。音樂劇自產生以來，就毫無疑問被列為嚴肅音樂、高雅藝術的范疇。而這次用通俗歌手和通俗音樂來演繹該劇，實為大膽創新的嘗試。從演出取得的效果來看，無疑是成功的，大眾普遍接受了這種新的音樂劇創作形式。人們在熟悉而貼切的通俗音樂氛圍中，去體會高雅藝術的價值，去感受高雅藝術的思想，從而在其腦海中自覺地形成了一種獨特的抽象的“嚴肅音樂”所要表達的內容。

兩種音樂形式的結合是在一種特定的氛圍和情感訴求中形成的。用通俗音樂來作為該音樂劇的表現形式，使演員在另一種狀態下進行相應的角色轉變，而觀眾也隨之變成新的意義上的接受者，有了新的感受。在自然的情緒變化中過渡到心靈的升華，何樂而不為呢？同時，通俗音樂的運用也充實了該劇的內容，甚至使該劇的演出更靈活、更有色彩和跳躍感。試想如果按照傳統歌劇形式演繹該劇，演員均采用專業高、中、低音進行演唱，還會顯得如此生動、活潑嗎？那自然又回歸到“陽春白雪”的狀態，從視覺和聽覺上造成了一定的阻礙，從而拉大了與觀眾之間的距離，其宣傳效果就必將減弱了。

由此可見，通俗不等于不嚴肅，嚴肅也不一定沒有通俗的成分。二者之間的界線在特定的情況下是可以被打破的，而二者結合所產生的新的音樂表現形式，也會巧妙地創造出一種新的感受和新的氛圍，從而產生新的效果。通俗音樂和嚴肅音樂并不是相互排斥、相互沖突的，而是完全可以融合到一起，滲透到彼此之中去的。二者相互碰撞所擦出的火花，上不可預見的神奇和夢幻的。

“落霞與孤鶩齊飛，秋水共長天一色”，就用這首千古名句作為文章的結束吧。期待著通俗音樂與嚴肅音樂衍生出新的音樂產物，也期待著二者結合的又一重天。

2、 我對通俗音樂與嚴肅音樂的看法

02級歷史系 學號00221005

二十世紀以來，隨著現代工業文明和工業城市化的興起發展，涌現出一種娛樂性“通俗音樂”文化。人們在日益加強的生活壓力下，努力尋求一種解脫，一種發泄，一種反傳統的叛逆性格。我認為“通俗音樂”就是在這樣的背景下產生的。這種音樂形式不拘泥于結構，較少拘于成規，較原有音樂相比有樸素的美感，清新的音色，民間的氣質和暖暖的人性浸染，使人容易接近而不會據人千里，不要求很高的音樂素養就可以欣賞。強調獨立人格，強調對時代和對社會的感受，強調一種不妥協的精神，在對立的年代中，勇敢的反映了現實，反抗傳統束縛，反抗強權政治，反抗文化專制

這樣原有的音樂形式也就相對的被稱為“嚴肅音樂”。 “嚴肅音樂”通常是指各種傳統經典音樂和一切專業作曲家用傳統或現代作曲手法所創作的音樂。并且，“嚴肅音樂”的傳承是以學院式的嚴格訓練來實現的，嚴肅音樂家總是力圖在作品中最充分地展示個性，詮釋深刻的命題，追求音樂技巧的創新和完美。因此，嚴肅音樂作為一種“精英文化”，它的創作者、演奏者、欣賞者都必須具有一定的文化素養和音樂修養。而這也就必然地將很多人或者說是絕大多數人排斥在外，而成為一種象征，是所謂社會上層的獨享，象征著文化品位與社會地位。甚至在人們的潛意識中造成通俗音樂與嚴肅音樂的隔閡。

我認為二者作為兩種音樂形式，無所謂高低貴賤之分。我們知道，“嚴肅音樂”起源于西方古典音樂，萌芽于中世紀的基督教音樂，經過“文藝復興”的洗禮，王公貴族的扶持，中產階級及市民的參與，在十八、十九世紀才得以發展成熟，當時的確是與下層人民有距離。但是在如今這個多元合理的社會中，我們可以而且應該接受“音樂無等級”這個觀點。隨著越來越多的人對嚴肅音樂的喜愛，二者原有的社會人群的身份地位已經發生了很大變化，只不過是人們的欣賞水平、品位不同，正所謂“蘿卜白菜，各有所愛”。如果僅以對音樂的偏好來得出地位的高低，不免有失偏頗。當然，由于通俗音樂大眾化、娛樂性而具有的高利潤特點，不免受到商業炒作，引導社會輿論過多傾向與此。

另外，通俗音樂與嚴肅音樂的劃分不是絕對的。民族樂派的音樂是嚴肅音樂，他們的音樂素材很多都取自民間音樂，也就是說他們也有吸收當時人們眼中的“通俗音樂”的元素。而這種吸收恰恰成就了一批音樂家，成就了一個在音樂史上有重要影響的樂派。就音樂劇《巴黎圣母院》而言，取材嚴肅，形式活潑，氣魄宏大，將演唱、舞蹈和特技完美地組合在一起，讓觀眾感到耳目一新，驚嘆于舞臺魅力的同時又感受到浪漫自由的藝術特質以及催人淚下的音樂表達。誰能說其中沒有融入嚴肅音樂的因素呢？那是不是隨著時代的發展，二者的劃分也應該有所變化呢？至少我覺得會。我認為介于二者之間的“邊緣音樂”會逐漸的興起，進一步模糊二者的界限，同時進一步加強二者在技法、構思等方面的溝通，成為一個媒介。其實從內在功能上來看音樂本身就是為了使人得到美的享受，陶冶情操，放松神經，從這個角度來講，通俗音樂與嚴肅音樂的劃分實際上是不必要的，不是說“能捉耗子就是好貓”么？

好了，今天關于爵士樂論文就到這里了。希望大家對爵士樂論文有更深入的了解，同時也希望這個話題爵士樂論文的解答可以幫助到大家。

請添加微信號咨詢：19071507959

在線報名

上一篇：熟蛋返生論文第二作者后悔參與(“熟蛋返生”論文第二作者后悔參與)

下一篇：暫無